As 20 Artistas Femininas que Você Precisa Conhecer

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Com a ajuda de Kat Widing, especialista júnior no Departamento de Pós-Guerra e Contemporâneo da Christie's, BAZAAR.com viagens ao longo da história para selecionar 20 mulheres artistas que mudaram o mundo da arte para sempre.

Anúncio - Continue lendo abaixo1 Élisabeth Louise Vigée Le Brun (francês, 1755-1842) Pintura, Retrato, Arte, Auto-retrato, Chapéu, Chapéu para fantasia, Desenho de fantasia, Getty Images



Completamente autodidata, Élisabeth Louise Vigée Le Brun tornou-se uma artista apesar dos grandes obstáculos (como acontecia com qualquer mulher na Paris do final do século 18) e atuou durante alguns dos momentos mais turbulentos da história europeia. Com a intervenção de Maria Antonieta, ela foi admitida na Academia Francesa aos 28 anos como uma das quatro mulheres. Vigée Le Brun foi particularmente elogiada por seus retratos simpáticos de mulheres aristocráticas, considerados mais naturais do que as obras de seus contemporâneos. Forçado a fugir de Paris durante a Revolução, o artista viajou por toda a Europa, obtendo encomendas impressionantes em Florença, Nápoles, Viena, São Petersburgo e Berlim antes de retornar à França após o conflito ser resolvido.

Na foto: Élisabeth Louise Vigée Le Brun, Auto-retrato com um chapéu de palha (1782).



dois Mary Cassatt (americana, 1844–1926) melhores artistas femininas Getty Images

Uma das três artistas mulheres e a única americana oficialmente associada ao impressionismo, Mary Cassatt também foi uma consultora inestimável, ajudando a apresentar a arte europeia a grandes colecionadores nos Estados Unidos. Cassatt acreditava fortemente que a pintura precisava refletir a vida moderna. Sua mulher moderna é habilmente representada na pintura de 1878 No loge , a primeira obra impressionista que o artista expôs nos Estados Unidos. Muitos artistas homens retrataram mulheres em camarotes como objetos de exibição, mas a protagonista feminina de Cassatt desempenha um papel dinâmico engajado no ato de olhar. No entanto, o olhar masculino prevalece, pois à distância, um espectador de cabelos grisalhos olha diretamente para ela com seus próprios binóculos. Como espectador e espectador, completamos o círculo.



Na foto: Mary Cassatt, No loge (1878), MFA Boston.

3 Hilma af Klint (sueco, 1862-1944) hilma af klint Getty Images

Só depois que o Museu Guggenheim hospedou uma grande pesquisa de seu trabalho é que Hilma af Klint foi finalmente amplamente reconhecida como uma pioneira proeminente da arte abstrata; suas primeiras composições abstratas foram concluídas anos antes das de Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich e Piet Mondrian. Em exibição de outubro de 2018 a abril de 2019, ' Hilma af Klint: pinturas para o futuro , 'apresentou uma série de obras abstratas grandes, brilhantes, de aparência mágica e continua sendo a exposição do Guggenheim com maior audiência de todos os tempos.

Nascida em Estocolmo, af Klint frequentou a Royal Academy of Fine Arts da cidade, graduando-se em 1887 e tornando-se conhecida por seu trabalho figurativo e servindo como secretária da Associação de Mulheres Artistas Suecas. Durante esse tempo, o espiritualismo e a teosofia ganharam força à medida que as pessoas, incluindo af Klint, procuravam uma maneira de reconciliar a religião com os muitos avanços científicos recentes. Esses sistemas de crenças inspiraram seu primeiro grande grupo de trabalhos não figurativos e não objetivos. Chamado As pinturas para o templo, as 193 pinturas foram criadas entre 1906 e 1915 e exploraram uma percepção dualística da criação, evolução e universo. Projetado para ser instalado em um templo em espiral, af Klint determinou que as obras não fossem exibidas até 20 anos após sua morte. Essas pinturas, junto com algumas de suas peças anteriores, constituíram a maior parte da exposição no Guggenheim - um santuário em espiral por si só.



Na foto: Hilma af Klint, Os dez maiores, nº 7, na idade adulta (1907).

4 Georgia O'Keeffe (americana, 1887-1986) Céu, Fotografia de stock, Fotografia, Paisagem, Nuvem, Tons e sombras, Artes visuais, Arte, Getty Images

Uma figura seminal do modernismo americano, em 1915 Georgia O'Keeffe foi uma das primeiras artistas americanas a produzir uma obra de arte puramente abstrata, em contraste com o movimento dominante do realismo americano. Dentro Música, Rosa e Azul a partir de 1918, O'Keefe abstrai um tema floral com recorte extremo, produzindo um arco de pétalas coloridas que zumbem com a energia musical sugerida pelo título. As teorias do artista russo Wassily Kandinsky em parte inspiraram O'Keeffe a explorar 'a ideia de que a música poderia ser traduzida em algo para os olhos', para alcançar a expressão pura livre de outras referências externas.

Na foto: O'Keeffe posando com Pelvis Series Vermelho com Amarelo (1945) em Albuquerque, Novo México, em 1960.

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5 Augusta Savage (americana, 1892-1962) augusta selvagem Getty Images



Uma escultora pioneira associada ao Renascimento do Harlem, Augusta Savage também foi uma influente professora e ativista, defendendo direitos iguais para afro-americanos nas artes. Nascida perto de Jacksonville, Flórida, Savage mudou-se para Nova York em 1921 para estudar arte na Cooper Union, vencendo 142 homens na lista de espera por sua vaga na faculdade. Em 1923, Savage se inscreveu para um programa de arte de verão patrocinado pelo governo francês, mas acabou sendo rejeitada por causa de sua raça. Assim começou sua luta ao longo da vida para democratizar e equalizar as artes. Uma de suas primeiras encomendas, um busto de W. E. B. DuBois para a Biblioteca do Harlem, foi bem recebido, e Savage começou a esculpir outros líderes afro-americanos, incluindo Marcus Garvey e William Pickens Sr.

Em 1929, sua escultura de uma criança do Harlem, Miúdo , ganhou seu amplo reconhecimento e ajudou-a a conseguir uma bolsa para estudar na Academie de la Grande Chaumière localizada em Paris, onde expôs seu trabalho e ganhou vários prêmios. Savage voltou aos Estados Unidos em 1931 e lançou o Savage Studio of Arts and Crafts, que se tornou o Harlem Community Art Center, em 1932. Dois anos depois, ela se tornou a primeira artista afro-americana a ser eleita para a Associação Nacional de Mulheres Pintores e Escultores. Pelo resto de sua vida, a artista continuou a criar um trabalho inovador - ela foi uma das quatro mulheres a receber uma comissão da Feira Mundial de 1939 - e dedicou seu tempo ao ensino de arte para as pessoas ao seu redor.

Na foto: Augusta Savage trabalhando em uma peça, New York, NY, 1938.

6 Frida Kahlo (mexicana, 1907-1954) Moda, Design de moda, Diversão, Evento, Vestido, Arte, Desenho de fantasias, Artes visuais, Atração turística, Estilo, Getty Images

Os ferozes autorretratos de Frida Kahlo com seu icônico unibrow e bigode foram descritos por André Breton, o fundador do Surrealismo, como 'fitas em volta de uma bomba'. Na verdade, as pinturas de Kahlo são simultaneamente sedutoras e confrontadoras. Em 'As Duas Fridas (Las dos Fridas)' de 1939, concluído logo após o divórcio de Kahlo do muralista mexicano Diego Rivera, Kahlo retrata suas duas personalidades - uma em traje tradicional de Tehuana com o coração partido e a outra em roupas modernas, independente, com o coração cheio. O constante refazer e colocar em camadas sua própria identidade foi um importante predecessor da política de identidade e continua a inspirar artistas hoje.

Na foto: Frida Kahlo, As Duas Fridas (1939),em exibição em 2007.

7 Louise Bourgeois (francesa, 1911-2010) louise burguesa Getty Images

Nascida em Paris, filha de pais que administravam uma empresa de restauração de tapeçarias, Louise Bourgeois cresceu ajudando-os na oficina, preenchendo as partes que faltavam nos desenhos retratados nas tapeçarias. Embora tenha estudado matemática e geometria na Sorbonne, ela finalmente voltou à arte, praticando gravura, pintura e escultura em grande escala ao longo de sua longa e variada carreira. Embora não fosse formalmente afiliada a nenhum movimento artístico específico, ela expôs com os expressionistas abstratos e explorou temas como solidão, ciúme, raiva, sexualidade e o inconsciente em seu trabalho.

Em 1982, aos 70 anos, Bourgeois finalmente teve seu momento de brilhar quando o Museu de Arte Moderna exibiu uma retrospectiva de sua obra, que apresentava figuras humanas contorcidas suspensas por fios; criações de tecido feitas de suas roupas velhas; e enorme esculturas de aranha , pela qual ela é mais lembrada hoje.

Na foto: Louise Bourgeois, Mamãe (1999), fotografado em Hamburgo, Alemanha, em 2012.

8 Agnes Martin (canadense, 1912-2004) Pé, Moda, Calçado, Bege, Fotografia, Atração turística, Sapato, Móveis, Joelho, Arte, Shutterstock

Agnes Martin, muitas vezes associada ao movimento minimalista, existia em uma categoria própria e desafia categorizações fáceis. Intensamente privada e espiritual, Martin explicou que suas pinturas chegaram a ela totalmente formadas, do tamanho de selos postais, que ela traduziria em telas de grande escala. Um ícone de ouro brilhante, Amizade de 1963 é um exemplo fabuloso de uma pintura em grade seminal do artista. As linhas delicadamente incisadas de Martin, aparentemente perfeitas, mas ao olhar de perto, imbuídas do sentido da mão humana, produzem um campo infinito com uma qualidade misteriosa - a personificação de uma calma transcendente. UMA retrospectiva do trabalho de Martin é inaugurado no Guggenheim em Nova York em outubro de 2016.

Retratado: Agnes Martin, Amizade (1963), em exibição na Tate Modern em Londres em 2015.

9 Leonora Carrington (britânica-mexicana, 1917-2011) Leonora Carrington Getty Images

Artista e romancista conhecida por seu trabalho surrealista, Leonora Carrington nasceu no Reino Unido e estudou pintura na Chelsea School of Art antes de se transferir para a Ozenfant Academy of Fine Arts de Londres em 1936. Nesse mesmo ano, frequentou o International Surreallist Exposição e foi atraído pela obra do pintor alemão Max Ernst. No ano seguinte, os dois se conheceram em uma festa e iniciaram um breve romance, morando juntos em Paris até a eclosão da Segunda Guerra Mundial, quando Ernst foi preso pelas autoridades locais e forçado a fugir da perseguição. Ele fugiu para os Estados Unidos com a ajuda de Peggy Guggenheim, com quem se casou mais tarde.

Logo após a separação dos dois, Carrington foi hospitalizado com um colapso mental e tratado com drogas poderosas. Após sua libertação, ela fugiu para o México, onde se inspirou profundamente no folclore local, que influenciou fortemente em seu trabalho. Suas pinturas altamente autobiográficas apresentam referências à feitiçaria, metamorfose e ocultismo, retratando criaturas fantásticas e cenas assustadoras. Durante os anos 70, ela se envolveu no Movimento de Libertação das Mulheres e desenhou um pôster intitulado Consciência da Mulher , pela causa em 1973. Em 1986, ela ganhou o prêmio pelo conjunto da obra na convenção Women's Caucus for Art em Nova York por seu compromisso com seu trabalho político.

Na foto: Leonora Carrington, A provação de Owain (1959).

10 Elaine Sturtevant (americana, 1924-2014) Expressão facial, Amarelo, Fonte, Ícone, Sorriso, Personagem fictícia, Arte, Imagens de Christies / imagens de Bridgeman

As obras de Elaine Sturtevant (conhecida por seu sobrenome) causam uma impressão dupla; o que à primeira vista parece uma pintura de Andy Warhol ou Jasper Johns é, na verdade, sua própria obra, apropriando-se das formas e técnicas do original com um grau de precisão perturbador. Desde 1964, Sturtevant se apropriou da obra de seus contemporâneos do sexo masculino para questionar a hierarquia de gênero, originalidade e autoria, bem como as estruturas da arte e da cultura. Na verdade, Warhol até concordou em deixar Sturtevant usar seu criador de telas para produzir a mesma tela de Marilyn que usou em seu próprio trabalho. Como lembra Sturtevant, quando Warhol foi questionado sobre os detalhes de seu processo, ele dizia às pessoas para 'perguntarem a Elaine'.

Na foto: Elaine Sturtevant, Warhol Diptych (1973), vendido pela Christie's em 2015.

onze Betye Saar (americano, B. 1926) Betye Saar Getty Images

Um dos mais célebres artistas no meio da montagem, Betye Saar é um verdadeiro ícone na esfera da arte contemporânea. Nascida em Los Angeles, ela frequentou a Universidade da Califórnia, em Los Angeles, graduando-se em 1947 em design, mas com paixão pela gravura. Em 1967, ela visitou uma exposição do escultor Joseph Cornell com objetos encontrados que impactaram radicalmente sua trajetória artística. Ela começou a forrar caixas de montagem com suas próprias estampas e desenhos, e a preenchê-las com objetos encontrados, criando peças que tratavam de corrida e atualidade.

Após o assassinato do Dr. Martin Luther King Jr. em 1968, seu trabalho tornou-se mais abertamente político e radical. Durante a década de 1970, Saar foi membro do Movimento das Artes Negras, composto por poetas, escritores, performers e artistas que fundiram ativismo e arte para confrontar as estruturas de poder dos brancos e dar voz à experiência negra. Seu trabalho mais famoso, A Libertação da Tia Jemima (1972) , apresenta uma mamãe boneca armada com um rifle e uma granada, pronta para lutar contra o preconceito, a violência física e os estereótipos depreciativos impostos aos negros americanos. As Saar explicou , “É meu objetivo como artista criar obras que exponham injustiças e revelem beleza. O arco-íris é literalmente um espectro de cores, enquanto espiritualmente é um símbolo de esperança e promessa. ”

Na foto: Betye Saar, Noivas da escravidão , em exibição no Saddleback College em Mission Viejo, Califórnia, em 1998.

12 Helen Frankenthaler (americana, 1928-2011) Tinta aquarela, Pintura, Arte, Artes visuais, Ilustração, Artista, Mural, Tinta acrílica, Fotografia, Tinta, Getty Images

A descoberta da pintura 'mancha' de Helen Frankenthaler, Montanhas e mar , a partir de 1952 desempenhou um papel fundamental na transição do gesto grandioso do expressionismo abstrato para as formas planas e meditativas da pintura do campo de cores. Em primeiro lugar um colorista, Frankenthaler derramou latas de tinta sobre a tela bruta, permitindo que o material se infiltrasse no suporte, formando formas amorfas. Como uma mulher do expressionismo abstrato, Frankenthaler rompeu o movimento dominado pelo masculino e deixou sua voz artística única ser ouvida. Seu trabalho atualmente faz parte de uma exposição há muito esperada intitulada 'Mulheres do Expressionismo Abstrato', que estreou no Museu de Arte de Denver em junho de 2016 e irá viajar para Museu Mint em Charlotte e a Museu de Arte de Palm Springs .

Na foto: Helen Frankenthalerc. 1956.

13 Yayoi Kusama (japonês, B. 1929) Água, Natureza, Jardim, Paisagem natural, Vegetação, Curso de água, Árvore, Lago, Ambiente natural, Reserva natural, Getty Images

A rainha das bolinhas, Yayoi Kusama foi uma força significativa da cena da arte de vanguarda na década de 1960 e continua a ultrapassar os limites do fazer artístico - até mesmo na moda por meio de sua recente colaboração com Louis Vuitton. Seus 'acontecimentos' durante a década de 1960 foram inovadores, em particular Jardim Narciso de 1966, que o artista apresentou no palco mundial da Bienal de Veneza. Financiado pelo colega artista Lucio Fontana, Kusama reuniu 1.500 bolas de prata - bolinhas tridimensionais - em um gramado e as ofereceu aos visitantes por 1.200 liras (dois dólares) cada, como uma crítica ao comercialismo do mundo da arte.

Na foto: Yayoi Kusama, Jardim Narciso (1966), em exibição na Chatsworth House em Chatsworth, Inglaterra, em 2009.

14 Judy Chicago (americana, B. 1939) Local de esportes, Iluminação, Estádio, Arquitetura, Teto, Arena, Céu, Noite, Pirâmide, Iluminação natural, Donald Woodman

Com sua própria homenagem às mulheres notáveis ​​da história, a artista feminista, autora e educadora Judy Chicago foi consideravelmente mais para trás no tempo do que a Paris do final do século XVIII. Dentro O jantar de 1974 a 1979, Chicago produziu uma instalação icônica em homenagem a 1.038 mulheres na história, com banners bordados, um piso gravado e uma enorme mesa de banquete triangular com talheres para 39 mulheres, com convidados desde a Deusa Primordial a Georgia O'Keeffe. Atualmente localizada no Sackler Center no Brooklyn Museum, a instalação é uma peça central da arte feminista, produzida durante um período crucial na década de 1970, quando as artistas femininas abordaram questões de gênero de frente.

Na foto: Judy Chicago, O jantar (1974-1979), Museu do Brooklyn.

quinze Marina Abramović (sérvio, B. 1946) marina abramovic Getty Images

A autoproclamada avó da arte performática, Marina Abramović vem evoluindo sua prática há mais de cinco décadas. Nascida em Belgrado, Iugoslávia (hoje Sérvia), filha de pais rígidos e estreitamente ligados ao regime comunista do país, ela estudou pintura na Academia de Belas Artes de Belgrado antes de concluir seu mestrado na Academia de Belas Artes de Zagreb.

Ela começou a explorar a arte performática nos anos 70, renunciando a uma tela e, em vez disso, tornando-se o meio para se conectar mais intimamente com seu público. Incorporando performance, som, vídeo, fotografia e escultura, seu trabalho, que consiste em longas rotinas que muitas vezes a colocam em perigo físico ou dor, explora temas como confiança, resistência, limpeza, exaustão e afastamento, e força os espectadores a olharem enquanto ela testa os limites de seu corpo.

Em 1976, Abramović começou a colaborar com o artista alemão Ulay, e os dois permaneceram parceiros artísticos e românticos até 1988, quando ela descobriu que ele tinha sido infiel. Em 2010, Abramović encenou uma performance baseada em resistência no Museu de Arte Moderna chamada O Artista Está Presente . Por dois meses e meio, ela se sentou em uma das extremidades de uma mesa e convidou os espectadores a se sentarem à sua frente para se envolverem brevemente em encontros silenciosos. Surpreendendo Abramović e levando-a às lágrimas, Ulay se sentou do outro lado da mesa, e os dois compartilhou um momento emocionante depois de mais de 20 anos sem falar.

Na foto: Marina Abramovic se apresenta Marina Abramovic: The Artist is Present no Museu de Arte Moderna em 9 de março de 2010 na cidade de Nova York.

16 Adrian Piper (americano, B. 1948) Prêmio, cerimônia de premiação, troféu, Getty Images

'Caro amigo, eu sou negro. Tenho certeza de que você não percebeu isso quando fez / riu / concordou com aquela observação racista ”, diz Adrian Piper Minha chamada (cartão) # 1 de 1986 a 1990. Um artista conceitual e performático, Piper é um pioneiro no tratamento de questões urgentes associadas a gênero e raça. Nela Ser Mítico série, Piper se transformou em um homem negro de classe baixa e andou pelas ruas de Cambridge, expondo o absurdo dos estereótipos da sociedade.

Como uma artista negra de pele clara, seu trabalho de confronto permanece extremamente presciente e significativo hoje, nos levando a questionar a hierarquia social e a percepção de identidade. Recentemente, Piper recebeu o Prêmio Leão de Ouro de melhor artista no 56ºBienal de Veneza 2015 por seu trabalho O Provável Registro de Confiança , que consiste em quiosques de aparência corporativa onde os visitantes podem optar por assinar contratos concordando em viver de acordo com um conjunto de regras que incentivam a responsabilidade pessoal.

Na foto: Adrian Piper recebe seu Prêmio Leão de Ouro na 56ª Bienal de Veneza em 2015.

17 Marilyn Minter (americana, B. 1948) marilyn minter Getty Images

Desfocando as linhas entre o sensual e o grotesco, o trabalho fotorrealista de Marilyn Minter aborda os ideais de beleza contemporânea, a sexualidade e o corpo humano dentro do estilo de imagens de moda brilhantes. Conhecida por suas pinturas em esmalte e metal, ela tem um processo que consiste em tirar fotos em filme, processá-las em uma câmara escura e sobrepor algumas poucas para criar uma composição inteiramente nova na qual sua pintura final será baseada.

Depois de receber seu BA da Universidade da Flórida em 1970 e seu MFA de Syracuse em 1972, Minter mudou-se para a cidade de Nova York e começou a capturar cenas suaves associadas à domesticidade feminina, como o chão da cozinha e vários produtos alimentícios. Nos anos 80, ela focou suas lentes em assuntos mais sensuais, como o corpo feminino e a pornografia. Seu trabalho sexualmente explícito recebeu uma reação generalizada, o que obrigou Minter a explorar por que paixão, desejo e intimidade eram - e são - envoltos em desconforto público. Incorporando elementos de fotografia elegante de moda e beleza e imagens publicitárias vibrantes, Trabalho de Minter justapõe noções de glamour e perfeição (lábios pintados, estiletes deslumbrantes e pálpebras brilhantes) com realidades menos desejáveis ​​(suor, saliva, cabelo e sujeira).

Na foto: Marilyn Minter, Esmagamento de laranja (2009), em exposição em seu estúdio em Nova York em 2009.

18 Cindy Sherman (americana, B. 1954) cindy sherman Getty Images

Uma importante artista da Pictures Generation, um grupo de artistas americanos do início dos anos 70 que eram conhecidos por sua análise da cultura da mídia, Cindy Sherman cria autorretratos fotográficos que criticam gênero e identidade. Atuando como diretora, maquiadora, cabeleireira, estilista, modelo, cenógrafa e fotógrafa, a artista se metamorfoseia em personagens complexos e se filma em cenas igualmente envolventes.

Depois de frequentar a Universidade Estadual de Nova York em Buffalo, Sherman mudou-se para Nova York em 1976 para seguir carreira em fotografia. Pouco depois de chegar, ela começou a trabalhar Stills de filmes sem título (1977-80), sua série agora icônica em que ela aparece em uma variedade de disfarces e configurações, retratando estereótipos femininos encontrados no cinema e na mídia, incluindo o dona de casa infeliz , a amante abandonado , e as vulnerável ingênuo . Desde então, ela continuou a se transformar em uma variedade de personagens, forçando seu público a confrontar outros estereótipos comuns e sua artificialidade.

Ao longo de sua carreira, Sherman colaborou com várias marcas de moda, incluindo Prada, Dolce & Gabbana, Balenciaga e Marc Jacobs, e com revistas de moda, incluindo Entrevista e Harper's BAZAR . Em 2016, ela iluminou a lua como uma estrela do estilo de rua por um recurso satírico no Bazar's Edição de março.

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Na foto: Cindy Sherman, Sem título # 414 , (2003), em exibição no National Portrait Galley no centro de Londres em 2016.

19 Shirin Neshat (iraniana, B. 1957) Shirin neshat Getty Images

Nascida em Qazvin, Irã, Shirin Neshat mudou-se para os Estados Unidos em 1974 para estudar na Universidade da Califórnia em Berkeley, obtendo um BA e um MA em artes plásticas em 1983. Logo após se formar, ela se mudou para Nova York, onde trabalhou na Vitrine de Arte e Arquitetura por 10 anos. Foi só no retorno ao Irã em 1993, 14 anos após a Revolução Islâmica, que ela começou a criar arte novamente.

Conhecida por seu trabalho em fotografia, vídeo e cinema, os projetos de Neshat costumam explorar várias oposições, do Islã e do Ocidente a homens e mulheres. Como ela explicado em uma exposição patrocinada pelo Iniciativa de arrecadação de fundos Art 19 , “Sempre foi minha opinião que os artistas deveriam ser politicamente conscientes e, no meu caso pessoal, tendo nascido como um iraniano, um país que minou os direitos humanos básicos, especialmente desde a revolução islâmica, tenho gravitado incontrolavelmente para fazer arte que se preocupa com questão de tirania, ditadura, opressão e injustiça política. Embora eu não me considere um ativista, acredito que minha arte, independentemente de sua natureza, é uma expressão de protesto e um grito pela humanidade. ”

Suas primeiras videoinstalações— Turbulento (1998) , Êxtase (1999) , e Fervor (2000) —Examinou gênero e sociedade, especificamente a restrição das leis islâmicas contra as mulheres; seu primeiro longa-metragem, Mahdokht (2004) , baseado no romance de Shahrnush Parsipur Mulheres Sem Homens, da mesma forma também o tópico. Neshat recebeu um número impressionante de prêmios por seu trabalho, incluindo o Prêmio Internacional na Bienal de Veneza de 1999 e o Leão de Prata de melhor diretor no Festival de Cinema de Veneza de 2009.

Na foto: Shirin Neshat posa em seu estúdio no SoHo, Nova York em 2011.

vinte Mickalene Thomas (American, B. 1971) mickalene thomas Getty Images

Mais conhecida por suas pinturas semelhantes a colagens, Mickalene Thomas cria retratos vibrantes e interiores detalhados que abordam temas como sexualidade, raça, beleza e gênero, e examina como a representação das mulheres na cultura popular informa nossa definição de feminilidade. Por meio do uso de strass, que servem de analogia para a feminilidade, Thomas chama a atenção para componentes específicos de suas peças (cabelo, sapatos etc.) e pede aos espectadores que considerem o que normalmente caracteriza a feminilidade.

Inspirada por uma série de movimentos, incluindo Impressionismo, Cubismo e Dadaísmo, a artista costuma fazer referência ao trabalho figurativo de primeiros modernistas como Pablo Picasso, Henri Matisse e Edouard Manet em seu retrato, retratando seus temas femininos em poses popularizadas por seus predecessores homens em um esforço para subverter sua representação das mulheres como objetos.

Membro do Post-Black Art Movement, uma categoria de arte contemporânea afro-americana, Thomas possui um BFA do Pratt Institute e um MFA da Yale School of Art e também trabalha com fotografia, vídeo, escultura e instalações.

Na foto: Mickalene Thomas posa no Artists 'Studios na cidade de Nova York em 2008.